Hijo de un grabador de oro y plata, no es sorprendente que las últimas obras de Gustav Klimt (1862-1918) brillen con el esplendor de un mosaico bizantino. De hecho, Klimt visitó Ravena en 1903, con el fin de ver los mosaicos de San Vital. Empezó su carrera en dirección arquitectónica durante el desarrollo de la gran Ringstrasse de Viena, trabajando en el Burgheater y el Kunshistorisches Museum. Sin embargo nada le preparaba para las fuertes objeciones que despertaron los murales que realizó para la Universidad de Viena, donde, según los críticos, sus paneles “Filosofía, medicina y jurisprudencia” eran inapropiados e inmorales. Para alejarse de la controversia entre 1904 y 1906 hizo una serie de retratos de mujeres. En este, Fritza von Riedler (1906) emerge de una butaca estilizada entre una espuma de encaje blanco y pesadas cintas de raso. Solo su porte aristocrático, el tamaño y la composición piramidal impiden que sea engullida por los elementos decorativos. Cada parte de la tela está adornada con formas orgánicas y geométricas en oro y plata. La cabeza de Fritza von Riedler está enmarcada por una vidriera de colores. Dicho marco la define como una persona importante, aunque Klimt utilizara este recurso con “Emilie Flöge” (1902) y Margaret Stonborough-Wittgenstein (1905). El aplanamiento de la butaca también actúa como marco, en el sentido de que permite a la modelo existir como el único objeto tridimensional del interior. La pintura de Klimt parece la antítesis de la practicada por la generación más joven del expresionismo, pero es indudable la influencia que ejerció sobre ellos.

Copiándole la idea a Harukace, yo también le quiero dedicar estos ángeles a Ele,con todo mi cariño.
Mar

The cloister of the bell
Arthur Hacker

Hesíode et la muse (1891)
Gustave Moreau

Trabajo interrumpido (1891)
Adolphe William Bouguereau

El primer beso (1873)
Adolphe William Bouguereau


La abducción de Psique (1895)
Adolphe William Bouguereau

Giuseppe de Nittis nació en Barletta, Italia en 1846 y murió en Saint Germain en Laye el 28 de agosto de 1884. Destacó muy pronto en su carrera y alcanzó fama internacional en vida gracias a sus excelentes cualidades y a las temáticas elegidas, que mostraban la vida moderna.. Nació en el seno de una familia rica, y viajó a Turín, Roma, Na´poles y París para recibir educación. En Nápoles, expuso públicamente por primera vez en 1863, pero ese mismo año fue expulsado de la Academia de Bellas Artes de la ciudad por mal comportamiento. En París trabó amistad con Edgar Degas y conoció a otros impresionistas. Formó parte de la primera exposición impresionista en 1874 y con el tiempo ha a pasado a ser conocido como “el impresionista italiano”. “Desayuno en el jardín” nos muestra de forma conmovedora a su pequeña familia: Léontine, su esposa y modelo preferida y su hijo Jacques aparecen en un tranquilo entorno doméstico. La escena incorpora una informal naturaleza muerta sobre la mesa formada por platos vacíos, vasos y servilletas abandonadas, objetos cuyas formas se sugieren mediante el uso del color a la manera impresionista. A través de la luz y la composición, el pintor nos indica que es verano y hace calor, ya que la familia se ha sentado a la sombra.

La prometedora carrera de De Nittis se vio truncada el mismo año que pintó este cuadro por culpa de un derrame cerebral cuando el pintor tenía 38 años. La obra plasma lavida cotidiana de la familia: el hijo se entretiene alimentando a los patos y las silla vacía del primer plano ha sido sin duda utilizada por el artista, sin saber que pronto quedaría definitivamente vacía.

Dante Gabriel Rossetti (1828-1882) fue miembro fundador de la Hermandad de los Prerrafaelitas que defendía entre otras cosas, las cualidades primitivas de primer arte italiano.

El la mitología clásica, Proserpina era la hija de Ceres, diosa de la agricultura. Platón, dios del submundo se enamoró de ella y la levó a sus sombríos dominios. Endurecida Ceres, esta amenazó con impedir el crecimiento de las cosechas si no le devolvían a su hija. Al final se llegó a un acuerdo: Proserpina sería liberada siempre que no hubiera comido nada en su cautiverio. La joven había ingerido cuatro semillas de granada y por tanto tuvo que pasar cuatro meses al año en el submundo como novia de Platón, aunque el resto del año vivía lejos de él. El cuadro de Rossetti muestra a Propserpina durante el cautiverio. Parece compungida, un rayo de luz penetra en el submundo a través de una grieta, recordándole su libertad perdida.

Rossetti llegó a pintar ocho versiones diferentes de esta cuadro. El tema tenía fuertes connotaciones personales para él, en gran medida porque la modelo que posaba como Proserpina era Jane Morris. Rossetti estaba enamorado de ella, pero Jane estaba casada con el artista William Morris. Rossetti decidió equiparar la situación a la del mito, estableciendo un paralelismo entre los períodos de cautividad de Proserpina y el tiempo que Jane pasaba junto a su marido. El cuadro, incluso refleja la indecisión de Jane, con una mano, Proserpina se lleva la granada fatídica a la boca, mientras con la otra intenta detenerse.

Marc Chagall “Lluvia” 1911

René Magritte “Edificio de luz” 1938-1939

Max Ernst “El beso” 1927

Giorgio de Chirico "La torre roja" 1913

Man Ray "Siluetas" 1916

Jackson Pollock “Bosque encantado” 1947

Fernand Léger “Hombres en la ciudad” 1919

Albert Gleizes “Mujer con animales” 1914

Paul Delvaux “El nacimiento del día” 1937

Octavio Ocampo nació Guanajuato el 28 de febrero de 1943 Estudió en la escuela de pintura y escultura “La Esmeralda” Bellas Artes (1961–1965) y en el San Francisco Art Institute, de San Francisco, California (1972–1974). A los 5 años de edad, inspirado en una canción de Cri- Cri, Octavio Ocampo dibujó las vocales como si fueran muñequitos. Desde entonces le ha obsesionado la idea de sobreponer una forma en otra, lo cual lo ha llevado a convertirse, ya adulto, en un afamado pintor cuyo estilo ha sido calificado por algunos críticos de "polimórfico" o de muchas formas; aunque él prefiere llamarlo "metamórfico", o sea, más allá de la forma. A mi me recuerda a Giuseppe Arcimboldo

Realizó la escenografía de más de 120 películas mexicanas y norteamericanas, así como los diseños para numerosas obras de teatro .Ha participado en exposiciones individuales en México, Estados Unidos, Canadá, Latinoamérica, Europa y Medio Oriente; así como en gran número de colectivas alrededor del mundo. Su obra forma parte de importantes colecciones como: Instituto Nacional de Bellas Artes México, Jimmy Carter Museum Atlanta GA., Museo Reina Sofía Madrid España, Jane Fonda Collection, Cher, Ted Turner, etc.Pronto se inaugurará el museo “Octavio Ocampo” en su ciudad natal. Ha realizado retratos biográficos con su peculiar estilo “metamórfico” para personalidades como Jimmy Carter, Miguel Alemán Valdés, José López Portillo, Jane Fonda, César Chávez, Cher (utilizado para la portada de su disco “Heart of Stone”), entre otros. Ocampo es también un excelente muralista. Su obra se encuentra en importantes edificios como Palacio Nacional de México, Instituto Tecnológico de Celaya, Grossenbacher Oil Co.Harlingen, Tx.; Casa de gobierno Guanajuato entre otros.

Pan de muertos

El viejo y el río

Corriendo con la manada

Hilos de plata

Boca de flor

Mujer lirio

El amor del arlequín

Cuerpos celestes

Bhuda

Familia de pájaros

Madonna Rocaille

A la Mona Lisa, le han cantado (Nat King Cole en 1952). La secuestraron (El 21 de agosto de 1911 Vincenzo Peruggia, ex empleado del Louvre la robó, la tuvo dos años en su casa hasta que la “quiso devolver” a Italia previo pago).

La han parodiado y caricaturizado, Andy Wharol, Salvador Dalí, Fernando Botero, Marcel Duchamp entre otros.

Varios escritores han hablado de ella en sus obras: Henry James, Oscar Wilde, Charles Baudelaire, Jame Joyce, Théophile Gautier, Julio Verne o Gabriele D´Annunzio.

Se la llevaron de gira por Estados Unidos y Japón.

Leonardo da Vinci la empezó a pintar en 1503, en una tabla de madera que medía 77 centímetros de alto por 53 de ancho. Ya contemporáneos de da Vinci la veían como una obra maestra. En esa obra desarrolló varias innovaciones técnicas, que luego fueron imitadas. La obra tardó cuatro años en realizarse, pues aplicaba muchas capas para dar relieve.

Aquí dejo la “real” y varias parodias y caricaturas, hay muchas más, pero para muestra creo que es suficiente.

Isabel Guerra, nació en Madrid en 1947 y vive en Zaragoza desde los 23 años, es una monja cisterciense del Monasterio de Santa Lucía en Zaragoza, ha sido nombrada miembro de dos Reales Academias de Bellas Artes: Académica de Honor de la Real Academia de Bellas Artes de San Luís y Académica Correspondiente de la Real Academia de Bellas Artes y Ciencias Históricas de Toledo, comenzó a pintar a los 12 años.
No es muy conocida por los medios de comunicación, expone cada dos o tres años, sus cuadros son muy cotizados, oscilan entre los 2.000 y 10.000 Euros. Desde que en 2005 expuso en Madrid 30 de sus cuadros en la Galería de arte “Sokoa” su carrera y sus admiradores se han multiplicado. Pertenece al movimiento hiper-realista

Según Isabel Guerra, sus vocaciones han corrido paralelas desde la adolescencia: fue una niña rebelde que quiso pintar y amar a Dios, dice que busca al pintar: la belleza, la luz, la bondad, la verdad y la hermosura, con mayúsculas, de donde emana toda belleza entre nosotros. Cada cuadro tiene su propia historia, su vida, y en cada no pone todo su corazón".